Mia Hansen-Løve, Frankreich, 2014o


Paul Vallée (Félix de Givry) liebt Musik und hängt viel in Pariser Underground-Clubs ab. Zusammen mit einem Freund entschließt er sich, die Seiten zu wechseln. Sie gründen das DJ-Duo Cheers, fangen auf kleinen Hauspartys an, sind sich aber auch für schäbige Clubs nicht zu fein und bekommen so nach und nach einen beachtlichen Bekanntheitsgrad. Doch mit wachsendem Ruhm verändert sich Paul.(TMDB)

Und man fragt sich selbst ein wenig, weshalb man mehr als zwei Stunden lang einem koksenden Jüngling aus dem Pariser Mittelstand zuschauen soll, der Probleme hat, die andere auch gern mal hätten. Die Antwort heisst Mia Hansen-Løve respektive liegt im elliptischen Rhythmus dieser jungen französischen Regisseurin («Le père de mes enfants»). Den Bildungsroman eines DJs und die Entwicklung der House-Musik französischer Prägung erzählt sie mit einer bezaubernd schwingenden Beiläufigkeit, in der die kleinen Dinge zu glühen beginnen und die grossen Wendungen fast unbemerkt geschehen. Ein Film über Musik und ein Musikfilm, der aus seiner Form den Takt schöpft.


Mia Hansen-Løves dokumentarisch wirkendes Drama folgt Paul auf seinem Siegeszug durch die Clubs, zieht den Zuschauer hinein in die Tiefen einer Parallelwelt, zeigt die Ernüchterung, das Scheitern, die Qualen beim Neubeginn. Getaktet wird die Hymne auf die Kraft der Jugend durch regelmäßige Auftritte von Daft Punk, denen der nachhaltige Erfolg bis heute gelungen ist. Das Duo (gespielt von Vincent Lacoste und Arnaud Azoulay) hat seine Songs für den Soundtrack zur Verfügung gestellt, der – man durfte darauf hoffen – ebenfalls ziemlich gut ist.

Bernhard Blöchl


Village Voice, 16.06.2015

Von Stephanie Zacharek

© Alle Rechte vorbehalten Village Voice. Zur Verfügung gestellt vom Village Voice Archiv
Sight & Sound, 04.08.2015
Cinema obscura: Daft Punk on film, from DAFT to Eden

Eden, Mia Hansen-Løve’s warts-and-all saga of the rise of French house music, gives us a glimpse of the flesh-and-blood duo behind Daft Punk’s robot suits. But just as in Eden they’re played by actors, so the band’s self-representations in the movies have been a series of heavily shaded masquerades…

Von Nick Chen

The most unsung moment of Boyhood is an actual unsung moment: when Daft Punk wouldn’t allow the use of Get Lucky in the theatrical release, despite the song’s appearance in festival cuts. The initial version, which I caught at a press screening, sprung the opening chords to mark the arrival of 2013, signalling that Mason was catching up with the present. “It’s the 12-year journey from Weezer’s Island in the Sun to Daft Punk’s Get Lucky,” I told my friends, hoping they’d join me on opening weekend. They did, and neither song was present – I was accused of perpetrating the strangest lie.

What happened was Daft Punk turned down Richard Linklater. That’s not to say the French DJ act don’t appreciate being part of an indie epic recounting the story of one person over countless years. Rather than be tied down to a specific summer in Boyhood, Daft Punk tracks appear throughout Mia Hansen-Løve’s poignant Eden – a sonic heartbreaker spanning two decades, oblivious to the passing of time between club nights. Director Ana Lily Amirpour phrased it succinctly in a tweet: “Just watched Eden which is kind of like Boyhood for the house DJ.”

It isn’t surprising Guy-Manuel de Homem Christo and Thomas Bangalter are so meticulous in curating their involvement with the silver screen. Their first music videos were directed by Michel Gondry and Spike Jonze, while the trademark robot costumes were designed by the same guy responsible for the special effects in, erm, Shallow Hal. Just as the tracks makes use of 70s samples for a sense of timelessness, an anti-ageing streak runs throughout their associated film projects.

DAFT: A Story About Dogs, Androids, Firemen and Tomatoes (1997)

Daft Punk were already honing their own brand of anonymity around the release of debut album Homework. They conducted interviews with paper bags over their heads (Shia LaBeouf’s plagiarism knows no bounds) and released a collection of music videos and mini-docs striving for timelessness. The ‘DAFT’ in the title is a fair assertion. So is the subtitle: there’s Spike Jonze’s Da Funk (dogs), Michel Gondry’s Around the World (androids), Seb Janiak’s Burnin’ (firemen), and Roman Coppola’s Revolution 909 (tomatoes).

Gondry reveals in his segment that he was seduced by the minimalist instrumentation that stops at the right moment, just before it’s overwhelming, as if designed for eternal looping. That explains Gondry’s visual representation of Around the World as a finely tuned machine, consisting of choreographed humanoid cogs. Burnin’ and Revolution 909 also riff on the idea of parties refusing to end, regardless of a building catching fire, or a grumpy policeman with a tomato-stained shirt (which probably helped Coppola prepare for reviews of his 2012 straight-to-VoD flop A Glimpse Inside the Mind of Charles Swan III).

The standout, Da Funk, is a tragicomedy conceived by Jonze about the follies of owning a boombox. Charles is a dog with a wounded leg and wounded heart: after bumping into human crush Beatrice on a bus, it’s only a few beats later when he’s ejected for violating the ‘NO RADIO’ policy. Of course, the dog is just an actor in a mask – surely a template for the sci-fi helmets – which precedes Jonze’s other half-human romances: with puppets (Being John Malkovich), book sleeves (Adaptation) and phones (Her). It’s a signature tune with a life of its own. When Mia Hansen-Løve puts the song in Eden, one character exclaims: “Da Funk – it fucking rocks!”

But Da Funk spawns a sequel in Fresh, which amounts to Daft Punk committing to ‘the bit’. Charles is revealed to be an actor (still in dog form) directed by Jonze on a beach, and in reality dating Beatrice. Is a happy ending a way of immortalising the moment? When the couple drive into the sunset, it’s hard to argue that it isn’t puppy love.

Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem (2003)

The Wizard of Oz and Pink Floyd’s Dark Side of the Moon don’t sync, no matter what you do with the remote control. However, Daft Punk sought anime legend and childhood hero Leiji Matsumoto to help design visuals for an hour-long sci-fi animation to complement their second album, Discovery. Under the direction of Kazuhisa Takenouchi, Interstella 5555 has no dialogue or subtitles, and plays along to the record’s exact tracklisting.

Although the band makes a brief cameo as their newfound robot counterparts – created in response to the fame brought by Discovery – the main music act is The Crescendolls, a rock band hypnotised by a record company into churning out mindless pop hits. Their keyboardist is a blue dude named Octave with a passion for chess; the guitarist is a Londoner called Arpegius. What’s not to love?

As the dreamlike sequences unfurl, it’s apparent how the soundtrack bears the anachronism of a futuristic vibe grounded in retro 70s samples. The Crescendolls face a similar dilemma: the band lose their identity when their memories are stolen, leaving them as yet another soulless manufactured pop group. Their hit single happens to be One More Time, a track which plays the lyrical joke of repeating its title ad nauseam – a comment on electronic dance music’s addictive nature, as evident by the same song’s prominence in Eden.

Insterstella ultimately follows the Lego Movie brick road by revealing that the entire movie exists in the imagination of a child playing Discovery on vinyl. Just as Speak Low will never sound the same following Christian Petzold’s Phoenix, it takes a few notes of Night Vision for me to recall the midnight car chase. It’s ten times more riveting than Chris Nolan’s Interstellar, and I’d definitely rather listen to Daft Punk than Hans Zimmer.

Electroma (2006)

A third album, Human After All, meant a third film – and also a Cannes premiere. Although the band’s directorial debut features themselves as the main two characters, it’s actually actors inside the robot costumes. No surprises there. What is head-scratching (an involuntary action when watching someone wear a helmet) is the duo’s music doesn’t feature on the soundtrack. The minimalist drama often plays like a silent music video: there’s no dialogue, creating a Dadaist effect reminiscent of Gus Van Sant’s Gerry with two androids trudging towards guaranteed self-destruction.

Being a Daft Punk impersonator is easy: you don’t have to talk, show any facial expressions or worry if the camera is catching your best side. The two robo-tagonists cruise down the freeway in a Ferrari, as if from a 70s road movie – but Two-Lane Blacktop never saw its drivers park in a town all of whose inhabitants are also androids with Daft Punk masks. The ‘HUMAN’ license plate is a clue for their motive: to find a white room where prosthetic faces are surgically placed over their helmets, because that’s apparently all it takes to become human.

Stepping outside with their ill-fitting heads – think of the monster in Inland Empire – the cruel sunlight melts the artificial smile off their faces. When the human features are burned off, the locals chase them out with a pitchfork as a punishment for musicians expressing individuality. As with Interstella 5555, the key to artistic ‘success’ is giving in to conformity.

The latter half details a march into the desert so arduous no one in their right minds would attempt it without an iPod. Instead the two characters trudge in complete silence until a shocking moment: one robot removes its helmet to reveal a circuit board beneath. In a world of digital identities, there’s no humanity left – and that, it seems, is a small sacrifice for achieving immortality.

Tron Legacy (2010)

The announcement that Tron Legacy would be released with five specially shot IMAX scenes was supposed to excite both lovers of the original 1982 Tron and anyone with an irrational passion for shifting aspect ratios. But the prospect of a big screen also meant an extended stereo effect for its score, written and performed by Daft Punk – both of whom were childhood fans of the original.

Disney’s CG blockbuster also shares thematic and plot crossovers with Daft Punk’s prior movie projects. The central conceit – humans as algorithms, waiting to be downloaded – is touched upon in Interstella 5555 when the band’s memories are copied and pasted to a disk. So too is the ending when Quorra, an ‘isomorphic algorithm’, rides on the back of a motorcycle so she can see sunlight: an optimistic twist on the robots of Electroma timing their suicide for a bright afternoon.

So why are Daft Punk so restrained? The closing moments, which scream for some sort of EDM closure, are complemented by dull, tasteful strings. Elsewhere the score is background music losing the battle against computer-game sound effects, revved up engines and Jeff Bridges’s line readings. The band’s presence is only truly felt during their cameo as hired DJs at a party, in which all of a sudden the beats are more arresting, and so too the squelching synths.

And then you see the pair in their helmets behind glass. They’re just hired hands in the corner, dressed to match the sci-fi furniture. Perhaps the soundtrack, like the film entire, makes more impression on the big screen – but when I sit at home with the DVD, listening on headphones, I hope Daft Punk would approve.

Eden (2015)

Eden follows Mia Hansen-Løve’s previous feature, Goodbye First Love, in having a main actor who never physically ages across the decades. (How very unlike Boyhood.) The central victim is Paul: incapable of growing old, he’s symbolically handcuffed to his youthful looks as the story progresses through the 90s and 00s. It’s the adolescent exterior that forms the character’s own protective Daft Punk helmet.

Paul (“barely 20, very talented”) is loosely based on Mia’s brother Sven, a DJ who emerged alongside Daft Punk in the 90s French touch movement and helped instigate underground raves. Paul is also a nightly partier in denial about an untenable lifestyle, sharing similar ground with the depressed male figure of Løve’s The Father of My Children. Beginning as an ensemble film, Eden turns into the slow-burn tragedy of the loser left behind – like seeing who stuck around for the straight-to-DVD American Pie releases. Paul’s girlfriends disappear for years, only to return with amazement that he’s barely changed: inertia through EDM, drugs and short-term flings.

We also get a glimpse of the ‘real’ Daft Punk as two slackers in jeans. A running joke sees Thomas and Guy (again, played by actors) turned away by bouncers for being unrecognisable without the masks. Even with international stardom, the duo are the same scruffy youths they’ve always been. Perhaps the Dorian Gray trick comes from being lost in the genre’s hypnotic beats, grabbing hold of the present tense and never letting go. “We don’t keep a record of time when we make music,” Daft Punk confessed in an interview. It could be a line of dialogue.

By the end, Paul spots a shift in the French house scene – specifically a club where the DJ is a MacBook. It’s partly why Daft Punk ditched their traditional sample-heavy compositions for 2013’s Random Access Memories, opting for session musicians who replicate the sound of the 70s. In stark contrast to the ironic Que Sera Sera blasted over the credits of The Father of My Children, the finale of Eden is a Robert Creeley poem. Each word appears onscreen, rhapsodising about how life is an unstoppable rhythm, bending all to its force, meaning there’s no shame in being one of many caught unaware by the passing of time. It’s a sentiment that could be summed up by the bass line of Da Funk.

© Alle Rechte vorbehalten Sight & Sound. Zur Verfügung gestellt vom Sight & Sound Archiv

In der narrativen Zersplitterung zur Wahrhaftigkeit finden. Mia Hansen-Løve erzählt von einem jungen DJ, der in der Blütezeit der französischen House-Musik ein besseres Leben sucht.

Von Michael Kienzl

Der vierte Langfilm von Mia Hansen-Løve wäre beinah an den hohen Ansprüchen der Regisseurin gescheitert. In Eden widmet sie sich einer fast zwei Jahrzehnte umspannenden Geschichte, die auf den persönlichen Erfahrungen ihres Bruders basiert. Vordergründig handelt der Film von Paul (Félix de Givry), einem jungen DJ, Produzenten und Partyveranstalter, der seine Leidenschaft zu Geld machen will. Doch eigentlich geht es um noch viel mehr: um eine bestimmte Generation, die in den frühen 1990er Jahren von House infiziert wurde, von dem Wunsch, ein Leben abseits der bürgerlichen Gesellschaft zu führen, in der man aufgewachsen ist, und letztlich auch von den vielen Enttäuschungen, die sich bei der Realisierung einer solchen Utopie in den Weg stellen. Doch das Wagnis für Hansen-Løve lag darin, dass sie am Rande noch die Entwicklung jener Musikrichtung nachzeichnen wollte, die heute als French House bekannt ist, und dabei auch nicht auf die Hits verzichten wollte, die das Genre formten. Und da es mit Musikrechten bekanntlich ein Kreuz ist, hätte Eden um ein Haar nicht so ausgesehen, wie er es heute tut.

Daft Punk sei Dank

Paul und sein Partner Quentin (Hugo Bienvenu) haben es sich in den frühen 1990er Jahren unter dem Namen Cheers zur Aufgabe gemacht, den Musikstil Garage – einen von Disco beeinflussten House-Sound, der nach der berühmten Paradise Garage benannt ist – unters Volk zu bringen. Und so wie es in Hansen-Løves letztem Film Un amour de jeunesse (2011) die Architektur war, die das Erwachsenwerden ihrer Hauptfigur prägte, ist es diesmal eben die Musik. Im Wohnzimmer dreht sich Frankie Knuckles’ „The Whistle Song“ auf dem Plattenteller, im Club reißen die Tanzenden zu Joe Smooths „Promised Land“ ihre Hände in die Höhe, und eine seiner Freundinnen beauftragt Paul damit, die Akkorde aus Ce Ce Rogers’ „Someday“ auf dem Klavier nachzuspielen. Dass diese Songs nun alle im Film zu hören sind, ist dem französischen House-Duo Daft Punk zu verdanken, das auch einige Male kurz im Film auftaucht und gewissermaßen die erfolgreiche Variante von Cheers ist. Denn erst nachdem Daft Punk für ihre im Film verwendete Musik ungewöhnlich niedrige Tantiemen verlangten, haben es ihnen ihre amerikanischen Vorbilder gleichgetan.

Die Musikauswahl ist tatsächlich sehr wichtig für Eden: Die Begeisterung des Protagonisten könnte man wohl kaum nachvollziehen, wenn nur schlechte Imitate zu hören wären. Und dass es um Feinheiten geht, das wird schon in einer sehr schönen Szene deutlich, in der sich Paul fünfzig verschiedene Bassdrums anhört und jede mit einem passenden Schlagwort versieht. Das Besondere an dem Film ist, dass er solchen Details genauso viel Bedeutung beimisst wie seiner äußeren Handlung. Die erzählt etwa davon, wie Cheers langsam erfolgreich werden, wobei der große Durchbruch jedoch ausbleibt. Leicht hätte man daraus eine dramatische Abstiegsgeschichte machen können. Doch Hansen-Løve hat sich stattdessen für eine Ansammlung von Fragmenten entschieden, die sich nicht immer auf die Hauptfigur konzentrieren müssen und auch nicht immer eine dramaturgische Funktion haben. Gerade in der narrativen Zersplitterung findet der Film zur Wahrhaftigkeit.

Die ewige Jugend

Der Hauptdarsteller Félix de Givry, den man zu kennen glaubt, obwohl es seine erste größere Filmrolle ist, muss niemanden etwas beweisen. Er wirkt immer ein wenig bekifft, redet nicht viel, bewegt sich konsequent zu langsam und lächelt dann wieder verlegen. Doch gerade mit diesem Understatement entwickelt er vor der Kamera eine sehr starke Präsenz. Pauls melancholische Anflüge erinnern wieder an Camille aus Und amour de jeunesse. Nachdem eine Beziehung nach der anderen scheitert, die Geldprobleme einfach weggekokst werden und sich die selbst gesteckten Ziele nicht verwirklichen lassen, wird er von einer überwältigenden Traurigkeit eingeholt. Wenn er zusammengekrümmt auf seinem Bett liegt, hat das etwas von der Trotzigkeit eines Jugendlichen. Überhaupt wirkt Eden wie eine verspätete Coming-of-Age-Geschichte. Als ihn seine Freunde einmal sturzbesoffen nach Hause tragen, faucht ihn eine alte Nachbarin an: „Ah, die schöne Jugend“. Der verdutzte Paul antwortet darauf nur, dass er bereits 34 sei.

Eden findet eine schöne Balance zwischen Anteilnahme und Zurückhaltung. Die Kamera von Denis Lenoir misst die Räume präzise und auch ein bisschen mechanisch aus, was den Zuschauer auf Distanz hält. Besonders zahlt sich diese ästhetische Entscheidung bei den Partys aus. Die Welt der Clubs und DJs wird in der Regel entweder völlig falsch dargestellt oder mystifiziert. Hansen-Løve dagegen versucht, das Milieu authentisch darzustellen, ohne sich viel darauf einzubilden. Sie zeigt Momente, die man schon oft gesehen hat, wie einen Drogenrausch oder die Euphorie auf dem Dancefloor, aber sie muss diese Zustände nicht filmisch nachvollziehen. Stattdessen bleibt sie als Beobachterin außen vor (ähnlich wie Pauls Partner Quentin, der den ganzen Film über in keiner Weise eine Rolle spielt und sich immer wieder wie ein Geist am Bildrand aufhält). Das ist ein wenig nüchtern, aber keineswegs kühl. Im Prinzip verhält es sich mit Eden wie mit der House-Musik: Hinter einem eigentlich recht statischen 4/4-Takt können sich überraschend tiefe Gefühlswelten verbergen.

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epd Film, 17.04.2015

In ihrem vierten Film erzählt Mia Hansen-Løve die Geschichte einer Gruppe von Freunden vor dem Hintergrund des Booms französischer House-Musik in den 90er Jahren.

Von Andreas Busche

Zwischen Euphorie und Melancholie beschreibt Paul (Debütant Félix de Givry) einmal den Sound, der ihm und seinem Partner Quentin mit ihrem gemeinsamen Projekt »Cheers« vorschwebt. Eine Mischung aus Soul und Maschinenmusik, befeuert von einem treibenden Rhythmus, dessen Geradlinigkeit eine psychedelische Wirkung entfaltet. Von einer ähnlichen Stimmung lebt auch Mia Hansen-Løves vierter Film EDEN, der von den Anfängen der französischen House-Music-Szene in den 90er Jahren erzählt.

Man müsste das eigentlich noch genauer formulieren, denn Hansen-Løve schafft mit EDEN etwas Außergewöhnliches: Sie zeichnet diese Stimmung und ihre rauschhaften Wirkungen in einer elliptischen Erzählweise nach, die das Gefühl der Musik, die selbstvergessen um eine melancholische Leere zu kreisen scheint, immer wieder von der Klang- hin zur Bildebene verschiebt. Filme über Clubmusik sind meist peinlich, weil ihnen etwas Entscheidendes fehlt: ein Gefühl für eine Epoche, aber auch ein Zeitgefühl, das sich im kurzen, intensiven Moment der Euphorie in die Ewigkeit erstreckt. Mia Hansen-Løve hat die 90er Jahre, als Künstler wie Laurent Garnier, Cassius und vor allem natürlich Daft Punk den kurzlebigen Boom des French House auslösten, auf den Warehouse-Partys in den Pariser Vorstädten verbracht. Ihr Bruder Sven legte damals auf diesen Partys auf. EDEN ist dabei kein nostalgischer Szenefilm geworden, denn außer einer bis zum letzten Plattencover kenntnisreichen Anthologie des French House, mit einem Soundtrack, der für Aficionados keine Wünsche offenlässt, beschreibt Hansen-Løve auch ein Lebensmodell, das bei aller Leidenschaft für die Musik in ähnlicher Weise um eine emotionale Leerstelle kreist. Es wäre einfach gewesen, ihre Erinnerungen an die Partys, die Drogen und das Freiheitsgefühl der zweiten Rave-Generation entlang der Geschichte von Daft Punk zu erzählen. Aber Guy-Manuel de Homem-Christo und Thomas Bangalter, die anonymen Köpfe des Erfolgsduos, tauchen im Film nur am Rande auf. Sie sind auf denselben Partys wie Paul und Quentin und werden (ein Running Gag!) regelmäßig von den Türstehern der angesagtesten Clubs abgewiesen.

Stattdessen interessiert sich Hansen-Løve für diejenigen, die im Zentrum des Hypes stehen, ohne aus seinem Schatten herauszutreten. Paul und Quentin produzieren gemeinsam Stücke und organisieren Underground-Partys, aber wie der betörende Rhythmus der Musik verläuft ihr Leben im Wechselspiel aus Leidenschaft und Erschöpfung letztlich in Monotonie. Mit der Zeit fordert der Lebenswandel seinen Tribut: Der depressive Cyril nimmt sich das Leben, Pauls Freudinnen (u. a. Greta Gerwig und Golshifteh Farahani) kommen und gehen, die Schecks, die Pauls Mutter (Arsinée Khanjian) ihrem Sohn ausstellen muss, werden größer. Hansen-Løve bringt viel Sympathie für diesen Lebensentwurf auf. Aber Pauls Scheitern wird selbst nur zu einem Fragment der Erzählung. So wie die Loops der Musik sich zu einem Hochgefühl aufschrauben, findet auch Eden im hedonistischen Leerlauf berührende Momente.

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Von Michael Pekler

In den Filmen von Mia Hansen-Løve kann man beobachten, was die Zeit mit den Menschen macht. Die Menschen sind nämlich nicht nur den Glücksfällen und Widrigkeiten ausgesetzt, die das Leben für sie bereithält, sondern auch der Zeit, die verstreicht. Oft spannt sich die Erzählung über mehrere Jahre, mitunter über Jahrzehnte, und obgleich man als Zuschauer in den entscheidenden, oft dramatischen Augenblicken zur Stelle ist, lernt man die Menschen in diesen Filmen erst im Lauf der Zeit kennen.

Vielleicht ist in diesen Filmen auch deshalb alles und jeder in Bewegung: die Menschen mit ihren Geschichten voller Freuden und Sorgen, Paris mit seinem endlos dahinfliessenden Verkehr und den überfüllten Cafés und sogar die Natur, die sich im Lauf der Jahreszeiten verändert. Alles ist im Fluss, unterliegt jenem Wandel, den das Leben mit sich bringt. Nur dass die Zeit in den Filmen von Hansen-Løve nicht alle Wunden heilt.

Erst vier Langfilme umfasst das bisherige Œuvre der französischen Filmemacherin, die vor ihrem Debüt als Regisseurin Schauspiel und Philosophie studierte und daneben für die «Cahiers du Cinéma» schrieb. Doch bereits in ihrem Debüt Tout est pardonné kann man jenen unverwechselbaren Stil erkennen, der seither ihre Arbeiten prägt. Die Filme von Mia Hansen-Løve sind trotz – oder gerade aufgrund – ihrer melancholischschweren Thematik geprägt von Sensibilität und durchdrungen von Leichtigkeit; es sind Filme, die sich Zeit nehmen für stille Beobachtungen und genug Platz lassen für leise, optimistische Zwischentöne.

In Eden haftet diese Melancholie einem jungen Mann an, der zu Beginn des Films buchstäblich zurückbleibt: Nach einem Rave-Besuch streift Paul mit seinen Freunden durch den Wald, doch plötzlich lässt er die anderen weiterziehen und legt sich unter einen Baum. Man schreibt die frühen neunziger Jahre, und Paul ist fasziniert von der neuen amerikanischen House-Musik, die gerade nach Frankreich schwappt. Paul ist ein Träumer, und als er in den Nachthimmel starrt, sieht er einen mit bunten Strichen animierten Vogel emporsteigen. Ein Augenblick der Irritation, aber auch ein erstes Wegzeichen für das Kommende: Paul hat diesen einen Traum, er möchte ein bekannter DJ werden – Eden handelt davon, wie sich dieser Traum und die Wirklichkeit ständig aneinander reiben.

Über zwanzig Jahre hinweg begleitet der Film, den die Filmemacherin gemeinsam mit ihrem in den neunziger Jahren als DJ tätigen Bruder Sven Hansen-Løve geschrieben hat, seinen Protagonisten und dessen Lebensprojekt. Gemeinsam mit einem Freund gründet Paul das DJ-Duo Cheers, dem es trotz aller Ambitionen nicht gelingt, aus dem Schatten der allseits bejubelten Daft Punk zu treten – eine Konkurrenz, die Hansen-Løve jedoch nicht als Rivalität zeichnet, sondern als augenzwinkernden Running Gag, wenn die Stars am Elektromusikhimmel im Gegensatz zu Paul wieder einmal in die angesagten Nachtclubs eingelassen werden. Doch Eden ist weit davon entfernt, eine Musikerbiografie zu sein, die sich den Höhen und Tiefen einer Karriere widmet. Pauls wechselnde Bekanntschaften mit Frauen (darunter Greta Gerwig als Amerikanerin in Paris), sein Drogenkonsum, sein von ständigen Geldsorgen überschatteter Alltag, sein angespanntes Verhältnis zu seiner Mutter, der langsame Zerfall der seit Jugendtagen bestehenden Freundesgruppe – all das erzählt Hansen-Løve ohne dramatische Zuspitzungen en passant, weil auch die Zeit keine Dramatik kennt, sondern immer gleich schnell verstreicht.

Wie viel – oder eben wie wenig – sich in zwanzig Jahren in Pauls Leben ändert, merkt man erst dann, wenn offensichtlich wieder ein paar Monate oder vielleicht Jahre vergangen sind. Diese Zäsuren innerhalb der Erzählungen sind typisch für die Filme von Hansen-Løve. Es sind oft markante Einschnitte, wie etwa das Verschwinden des Vaters in Tout est pardonné, der mit seiner Drogensucht das fragile Familiensystem zerrissen hat, oder der Selbstmord des Ehemannes und Filmproduzenten in Le père de mes enfants, mit dessen Tod sich der Film dem Kampf der Hinterbliebenen gegen die plötzliche Leere zuwendet. Un amour de jeunesse, Hansen-Løves dritter Langfilm, erzählt von einer jungen Frau, die ihre erste Liebe aufgeben muss, von dieser aber weiterhin verfolgt wird. Ständig werden die Menschen in diesen Filmen in eine neue Gegenwart geworfen, wodurch aber auch ihre Verluste in ihren zerstückelten Biografien umso stärkeres Gewicht bekommen. Was Paul in Eden zermürbt, ist weniger der Umstand, dass er sein grosses Ziel nie erreicht, sondern es ist der ständige Versuch des Neubeginns.

Doch jeder Mensch hat sein eigenes Lebenstempo und muss seine eigenen Erfahrungen machen. Deshalb kommen in den Filmen von Hansen-Løve auch keine Rückblenden vor, denn der Blick ist immer nach vorne gerichtet: Wichtiger als der Verlust und die Trauer sind am Ende die Kontinuitäten des Lebens und jene Dinge, die man diesem allen Widrigkeiten zum Trotz abgewinnt.

In Eden bleibt dieser grosse Bruch in der Erzählung aus, stattdessen summieren sich die vielen kleinen. Ausgerechnet der pulsierende Rhythmus der Musik, der für ihn zum Lebensantrieb geworden ist, lässt Paul anscheinend innerlich auf der Stelle treten. Entgegen dem Bild, das er in der Öffentlichkeit entwirft, läuft dieser verschlossene Mann der Zukunft hinterher, während sie ihm mit jedem Beat zwischen den Fingern zerrinnt.

© Alle Rechte vorbehalten Filmbulletin. Zur Verfügung gestellt vom Filmbulletin Archiv
Interview with Director Mia Hansen-Løve and Actor Félix de Givry
Stuart Brazell / Zurich Film Festival
en / 02.10.2014 / 8‘37‘‘

Interview with Former DJ Sven Hansen-Løve
/ Filmbeat
en / 18.07.2015 / 6‘09‘‘


Drama, Musik/Tanz
131 Min.
Französisch, Englisch

Cast & Crewo

Félix de GivryPaul
Brady CorbetLarry
Greta GerwigJulia


Interview with Director Mia Hansen-Løve and Actor Félix de Givry
Zurich Film Festival, en , 8‘37‘‘
Interview with Former DJ Sven Hansen-Løve
Filmbeat, en , 6‘09‘‘
Besprechung Village Voice
Stephanie Zacharek
Essay: Daft Punk on Film
Sight & Sound / Nick Chen
Besprechung critic.de
Michael Kienzl
Besprechung epd Film
Andreas Busche
Besprechung Filmbulletin
Michael Pekler
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